Sept vedettes du New York Design Festival

Publicité

Soutenu par

Les abeilles, les graines, le métal et la pierre ont tous fait leur apparition pour l’événement qui fait de la ville un centre de design.

Envoyer une histoire à n’importe quel ami

En tant qu’abonné, vous avez 10 articles cadeaux à donner chaque mois. Tout le monde peut lire ce que vous partagez.

Par Aileen Kwun

NYCxDesign, un festival de design qui se tient chaque année en mai à New York, a conclu sa 11e édition la semaine dernière avec un large éventail d’expositions de groupe dans les arrondissements – dans les salles d’exposition de Soho, les studios d’artistes et les arrière-cours de Brooklyn, les bureaux vacants à Chinatown et les galeries entre les deux.

Bien qu’officiellement présenté comme un festival d’une semaine commençant le 19 mai et ancré par l’International Contemporary Furniture Fair (ICFF) et WantedDesign au Javits Center, le circuit des événements semblait commencer sérieusement une semaine auparavant, avec une liste complète de foires d’art et de design adjacentes en ville – y compris la Fondation européenne des beaux-arts (TEFAF), Frieze New York et la New Art Dealers Alliance (NADA). Voici quelques faits saillants de l’édition de cette année.

Bien que les meubles et l’éclairage modernes en acier existent au moins depuis l’ère de la machine, les finitions chromées élégantes, l’acier inoxydable poli et les surfaces en aluminium brossé ont été particulièrement populaires dans les deux catégories cette année.

Jialun Xiong, un talent émergent, a présenté Default, sa première exposition à WantedDesign, dans une palette monochrome d’argents et de gris destinée à évoquer « entrer dans un rendu d’un programme de modélisation 3D », a-t-elle déclaré. Quelques stands plus bas, Simon Johns a partagé des tables en aluminium de sa série Future Fossils, qui imagine les conceptions d’aujourd’hui comme de futurs artefacts excavés de la pierre.

Lors de l’exposition éphémère de Sight Unseen à la galerie Voltz Clarke, le siège cylindrique Neo-Lounge de Kouros Maghsoudi, fabriqué à partir d’aluminium soudé à la main, a fait un clin d’œil à l’ère spatiale. Tout comme les nouvelles appliques pendentif Tenfold de Luft Tanaka, qui faisaient partie d’une exposition de groupe qu’il a mise en scène dans l’arrière-cour du restaurant Chino Grande. Le studio indépendant dirigé par des femmes Egg Collective a sorti un ensemble de tables d’appoint en acier inoxydable poli avec des silhouettes ondulées et de petites incrustations illustratives de serpents et d’yeux. Et le restaurant éphémère le plus Instagram du mois, We Are Ona, conçu par Crosby Studios, présentait des sols couverts de confettis et un service de table argenté et photogénique fait sur mesure pour le métavers.

Si la nécessité est une mère d’invention, la contrainte en est une autre. « Make-Do », une exposition éphémère dans le quartier chinois organisée par la maison de vente aux enchères Catalog Sale et la galerie Marta de Los Angeles, a offert un hymne ironique à l’improvisation et à l’instinct.

Avi Kovacevich, « cueilleur » de galeries vintage et cofondateur de Catalog Sale, a présenté 12 chaises idiosyncrasiques de sa collection – des objets fabriqués à partir de tapis, de pneus de voiture et de pièces de brouette – ainsi que de nouvelles commandes d’une douzaine de designers new-yorkais, dont Minjae Kim et Nifemi Ogunro, chargés de créer une nouvelle chaise en trois jours.

« L’esprit de 'essayez-le' est l’aspect le plus important de tout cela », a déclaré M. Kovacevich. « Le produit final est le croquis, le prototype et les ajustements, tout à la fois. »

Plusieurs galeries de design ont présenté des expositions individuelles qui mettaient l’accent sur le poids et la beauté de la pierre et du béton. À Chelsea, la galerie Friedman Benda présente « Coarse » de Samuel Ross, créateur de produits et de mode britannique et fondateur de la marque A-COLD-WALL*, qui a fait ses armes en travaillant pour Virgil Abloh. Pour ses nouvelles œuvres, M. Ross a émaillé et embaumé des surfaces de pierre avec du curcuma et du miel dans un geste rituel et les a jointes avec des accents contrastés de matériaux industriels colorés dans des teintes néon brillantes.

À la Carpenters Workshop Gallery, Wonmin Park, un designer sud-coréen, a présenté une nouvelle collection qui associe des plans d’acier précis à des morceaux de pierre bruts et sculptés. Et l’un des points culminants de la première exposition personnelle de Rafael Prieto, « Together Over Time », à la galerie Emma Scully, a été une sculpture lumineuse qui a joint une lanterne et une pierre avec une corde nouée. Lors d’un pop-up à Soho, Arielle Assouline-Lichten a montré son corpus croissant de meubles et d’éclairages fabriqués à partir de morceaux de dalles de pierre trouvés, soulignant des irrégularités et des qualités translucides surprenantes.

Où tracez-vous la ligne entre un original et un faux ?

À la coopérative de design et galerie Colony, sur Canal Street, le fondateur, Jean Lin, a renversé la bête noire de l’industrie des contrefaçons en demandant aux membres de s’inspirer des designs existants pour « The Knockoff Show ». Dans un jeu visuel de téléphone, Bec Brittain a soulevé quelques détails de Lindsey Adelman, un collègue concepteur d’éclairage et ancien employeur. (« Une copie sanctionnée », a plaisanté Mme Lin.) La pièce la plus célèbre du groupe sur Instagram, de Ben Erickson, présentait une réplique de la chaise tubulaire Ekstrem de 1984, effrontément refaite avec des pièces de tuyaux d’égout finies en émail chromé-miroir.

Faire face aux imitations est une réalité difficile pour chaque designer, a déclaré Mme Lin. Mais transformer un point de frustration en un point de créativité « peut changer un peu le récit et aussi parler du fait que rien n’existe dans le vide ».

Dans la salle d’exposition phare de Phillip Lim 3.1, Andrea Hill, propriétaire de Tortuga Forma, et Lora Appleton, fondatrice de Kinder Modern et du Female Design Council, se sont associées à l’Asian American Pacific Islander Design Alliance pour présenter « Upon Further Reflection », une exposition présentant des œuvres de 20 designers et artistes asiatiques s’identifiant comme femmes et basées aux États-Unis.

« Nous tous, au sein de la communauté, avons repensé nos parcours personnels pour devenir qui nous sommes », a déclaré Mme Hill, qui est une Sino-Américaine de première génération. Elle a décrit ce voyage comme « un travail douloureux, fascinant et important ». Des œuvres remarquables – notamment celles de la céramiste Jane Yang-D’Haene, de l’artiste textile Windy Chien et du studio de design Soft-Geometry – ont transformé cet acte d’introspection en une célébration joyeuse de perspectives et de talents divers.

Certaines des œuvres artisanales les plus mémorables avaient également une histoire à raconter.

Pour sa nouvelle série de verrerie d’inspiration corail aux éditions La Romaine, Sophie Lou Jacobsen, designer franco-américaine, a utilisé la méthode rustique « bullicante », qui crée des bulles dans le verre pour un effet aqueux. Et dans la salle d’exposition Future Perfect du West Village, Chris Wolston, un artiste basé en Colombie, a puisé dans la beauté et le symbolisme de la vie végétale locale avec « Flower Power », un nouvel ensemble de chaises et de lampes en terre cuite rehaussées de petites fourmis en bronze, d’abeilles et d’autres bestioles. Chez Sight Unseen, les tables d’appoint Tone du designer sud-coréen Sohyun Yun présentaient des panneaux acryliques translucides teints à la main dans une palette inspirée des tissus traditionnels hanbok.

L’exposition itinérante du Loewe Foundation Craft Prize, organisée cette année par le musée Noguchi de Long Island City, présentait des œuvres étonnantes et uniques de 30 finalistes, dont Liam Lee et la lauréate de cette année, Eriko Inazaki.

Des habitats d’abeilles, des collecteurs d’eau de pluie, une bibliothèque de semences et un réfrigérateur communautaire figuraient parmi les 35 projets présentés dans l’exposition réfléchie « Public Access », organisée par Jean Lee, une designer, à la librairie Head Hi et au Naval Cemetery Landscape, une oasis d’espace vert public dans le Brooklyn Navy Yard. Mme Lee, qui a lancé un appel ouvert mondial pour des installations publiques qui provoquent un acte de partage, a déclaré qu’elle avait commencé à planifier le spectacle pendant la pandémie de coronavirus, à un moment où elle ressentait « le besoin de se connecter, mais aussi de prendre soin les uns des autres ». Un manifeste pour l’émission a épousé des valeurs telles que « la paternité sur la propriété », « la diversité sur l’homogénéisation » et « le partage plutôt que la commoditisation ». Dans un contrepoint bienvenu au luxe privé qui façonne une grande partie de la semaine, rien n’était à vendre – tous les modèles présentés sont open-source et disponibles en ligne.

Publicité